Gli enormi cambiamenti che sono avvenuti negli ultimi anni nel mondo dei videogiochi sono passati in sordina spesse volte. La velocità con cui la futurista evoluzione del gaming progredisce sotto i nostri occhi è tale che i grandi cambiamenti si sono quasi del tutto volatilizzati nella ricerca continua del progresso. Va sottolineato come la diffusione del medium videogioco e l’aumento conseguente di fruitori abbia fatto fiorire gli studi di sviluppo e i team secondari esterni alla sedi centrali delle grandi software house. L’aumento di uomini e investimenti e la sempre crescente qualità visiva del prodotto hanno fatto sì che si avesse un sempre crescente numero di software a disposizione del pubblico e un’offerta variegata e cospicua di scelte da poter fare in negozio, sia esso virtuale o fisico. Sarebbe impossibile contare la immensa mole di titoli che fa fronte all’incessante richiesta di novità e alternative dei giocatori.
Purtroppo esiste un rovescio della medaglia a questa quantità di videogiochi che affollano le console e i PC. Perché se da un lato l’alta frequenza di produzione permette di non avere tempi morti in cui non avere nulla da giocare, dall’altro l’elevato numero di titoli programmati espone tutta l’industria a più di un punto critico. Questo deve indurre a riflettere se non sia più giusto rallentare, attendere. Meno videogiochi potrebbe significare videogiochi migliori.
Crunch time ammazza creatività
La prima considerazione da fare è che gli sviluppatori sono prima di tutto dei creativi, degli artisti che devono tirare fuori dal proprio estro gli spunti per comporre un’opera. E la pressione delle date di scadenza ha spesso impatto negativo. I periodi di crunch time non aiutano la creatività, ma la distruggono. La fretta di consegnare un gioco seguendo le tempistiche serrate del planning annuale ha dimostrato di penalizzare il risultato finale. L’esempio più lampante di questo potenziale rischio è The Order: 1886. Il titolo sviluppato da Ready at Dawn ha avuto uno sviluppo travagliato. In molte interviste gli sviluppatori hanno parlato di tagli alla trama, dovuti ai tempi di consegna che hanno comportato una longevità esigua del gioco. The Order doveva uscire in quel giorno ed è uscito, anche se il riscontro non è di certo stato quello sperato.
Avere poco tempo per sviluppare un gioco comporta in altri casi l’appiattimento delle idee che costringono a riciclare modelli e meccaniche sull’altare della rapidità di sviluppo. Per capire questo meccanismo basta ricordare la serie Assassin’s Creed: per un periodo – dal 2009 al 2015 – ne venne prodotto un capitolo all’anno. Il risultato fu una parabola discendente di consenso del pubblico e della critica e una sensazione di stantio, di già visto. Un anno di lavoro in più permise di lavorare sul gameplay e sui dettagli e rilanciare il brand nel 2017 con Assassin’s Creed: Origins e Assassin’s Creed: Odyssey.
Le esigenze del pubblico, le fatiche della tecnologia
Andando oltre, con il progresso tecnologico che è avvenuto nella storia dei videogiochi si sono raggiunte qualità e complessità di dettaglio che erano impensabili fino a qualche decennio fa. Ma tutta questa tecnologia non ha portato a una semplificazione del lavoro, ma anzi spesso rappresenta un aumento considerevole delle difficoltà di programmazione e delle esigenze produttive. Il fotorealismo che caratterizza le grandi produzioni odierne comporta un considerevole investimento di tempo, inventiva, risorse e di attori in carne e ossa. Modellare i personaggi non è più solo questione di poligoni e texture, ma si tratta di motion capture, di ricreare espressioni facciali e movimenti credibili, di spettacolarizzare l’azione tenendo in conto il gameplay, di ricreare ambientazioni d’impatto e con una cura nel dettaglio che non può concedersi alcuna lacuna o compromesso. E la realtà virtuale, nuova frontiera del gaming, richiede probabilmente il doppio del dispendio per poter offrire veri tripla A e non soltanto delle tech demo.
Non si può sottacere che anche le esigenze e il gusto dei giocatori sono cambiati. Si è perso, ahimè, il senso della fascinazione pura, l’emozione davanti al fantastico. Ha preso piede invece la ricerca di un taglio cinematografico, più autoriale. Vogliamo qualcosa che vibri negli occhi come gli accordi di una chitarra elettrica in un amplificatore e non come un flebile flauto di pan sorretto dal vento. Il pubblico è diventato più esigente e critico nei confronti dei videogiochi e quindi è richiesto raggiungere un livello di qualità altissimo per soddisfare l’utenza. Più qualità implica più lavoro e ancora una volta più tempo.
Game as a service? Sì, grazie!
C’è poi da tenere presente la nuova dinamica, forse incompresa e sottovalutata, del game as a service che ha preso così tanto piede nella nostra epoca. Non abbiamo più giochi fatti e finiti, ma un servizio in continua evoluzione che si modifica, ma soprattutto si amplia fino a inglobare in una singola produzione anche quelli che sarebbero potuti essere elementi e storie di un secondo capitolo di un videogioco. In questa direzione muovono già da tempo DLC e Season Pass, meccaniche che abbiamo odiato ma che stiamo imparando ad accettare e che stanno dimostrando nella loro qualità. Esempio, che non ha bisogno di spiegazioni, sono i contenuti aggiuntivi di The Witcher III: Wild Hunt: materiale aggiuntivo che avrebbe potuto tranquillamente diventare un quarto capitolo e invece ci è stato offerto a prezzo modico all’interno dello stesso ecosistema, della stessa esperienza magica.
Avere meno giochi in una generazione implica quindi avere molti vantaggi per i singoli tipi di esperienza. Il maggiore supporto ad un singolo videogioco ne allunga la vita e lo tiene sempre vivo e pulsante. I titoli basati sulla narrativa possono riportare il giocatore nello stesso mondo ma con nuove avventure rievocando vecchi ricordi e sensazioni mixati a nuove trame; i multiplayer possono creare un ambiente stabile e confortevole per gli e-sport e per il mondo competitivo senza continui cambi di regole o spostamenti su nuovi software. Con questo schema così ad ampio respiro, è possibile immaginare di avere meno videogiochi, ma che siano come universi: grandi e in continua espansione.
Il game as a service nella sua declinazione di servizio in abbonamento ha poi l’enorme vantaggio di proporre un catalogo sempre disponibile anziché acquisto singoli creando un ambiente in cui grandi produzioni e piccoli progetti indipendenti hanno la stessa possibilità di essere giocati o provati dall’utente. Che poi in fin dei conti, abbiamo davvero bisogno di così tanti videogiochi? Forse no, poiché sappiamo tutti quanto backlog giace polveroso nei nostri archivi di avidi possessori di mondi virtuali, quante storie passate stiamo ignorando per la nostra proiezione spasmodica verso il futuro prossimo.
Il piacere dell’attesa e intanto… remake
E se proprio la fame di giochi non si riesce a placare, la lunga storia del mondo videoludico offre un catalogo di vecchie glorie da riscoprire sotto forma di remake per avere più tempo per pensare alle nuove idee e intanto riempire le lineup offrendo alle nuove generazioni la possibilità di avventurarsi in mondo antichi ma con la contemporaneità di un nuovo progetto. Final Fantasy VII Remake è il prototipo di un prodotto ri-manipolato per le nuove generazioni (ma anche per gli utenti amarcord).
Non abbiamo bisogno di cascate di videogiochi. Meglio aspettare e desiderare qualcosa che poi si rivela essere un capolavoro piuttosto che giocare tanti bei giochi ma privi di mordente. Del resto l’attesa del piacere non è essa stessa il piacere? Una citazione famosa che trova ampio riscontro in Half-Life: Alyx. Abbiamo atteso, desiderato, sognato per anni un nuovo gioco di questa serie. Ma l’attesa è stata ampiamente ripagata, e la recensione presente su Gamesvillage ne è testimonianza.
L’equazione meno videogiochi uguale videogiochi migliori ovviamente non è perfetta né infallibile, ma può dare ai giocatori e agli sviluppatori un nuovo rapporto simbiotico favorevole per entrambi riducendo ansie e delusioni, corse e rincorse, rimorsi e rimpianti.